Publicamos este interesante artículo de Jorge Raedó, director de escena y gran activista del teatro, la ópera y la arquitectura para niños, un barcelonés formado en el Institut del Teatre y que tras realizar buena parte de su carrera primero en Barcelona y luego en Finlandia, se encuentra ahora viviendo en Bogotá, Colombia. En su texto, Raedó nos habla de la ópera para niños, de los títulos del repertorio contemporáneo, y del último proyecto en el que se ha visto involucrado como director de escena, La Mare dels Peixos, una ópera para niños creada en Valencia a través de un largo proceso en el que han intervenido varias escuelas, artistas, músicos y autores. He aquí sus palabras.
La Mare dels Peixos
El 16 de diciembre de 2016 tuvo lugar el estreno absoluto de la nueva ópera “La Mare dels Peixos” (“La Madre de los Peces”) en la Sala Martí i Soler del Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia, España. El libreto es de Aurora Clari i Carles Iborra a partir de un cuento de Enric Valor, la partitura es de Jorge Sastre y Roger Dannenberg.
Estíbaliz Ruiz Madre y Jorge Raedó, director de escena, en los ensayos de ‘La Mare dels Peixos’.
Fue un magnífico proyecto educativo y a la vez artístico que involucró a sesenta niños y jóvenes con sus profesores, seis cantantes solistas, orquesta de veintiocho instrumentistas, una decena de artistas y el equipo técnico del Palau de les Arts. El músico y profesor de secundaria Adolf Murillo fue el director educativo y artístico. Tuve la fortuna de participar como director de escena en el último mes del proceso de creación.
De izquierda a derecha, Noelia Castillo (Bruja), Valentín Petrovici (Padre), Estíbaliz Ruiz (Madre), y Fernando Piqueras (Joan). ‘La Mare dels Peixos’.
La Comunidad Valenciana es conocida en todo el mundo por la tradición de sus bandas de música. Con “La Mare dels Peixos”, Valencia ha dado un buen paso en el desarrollo de la educación de arte para la infancia y juventud. Se marcaron objetivos ambiciosos en todos los sentidos que se alcanzaron gracias a la pasión y buen hacer de todos los participantes, niños y adultos. Ahora hay que consolidar lo logrado y continuar avanzando.
Notas personales sobre ópera
De 1998 a 2008 trabajé en treinta espectáculos de teatro catalán, ocupando diferentes papeles: director de escena, ayudante de dirección, dramaturgo, diseñador de vestuarios y escenografías, ayudante de producción, traductor de obras, fotógrafo… Tres de estos espectáculos fueron nuevas óperas de estreno absoluto en el Teatre Lliure (ayudante de dirección), Mercat de les Flors (co-dramaturgo) y Teatre Nacional de Catalunya (ayudante de producción). Fui también cercano al imprescindible Festival d´Òpera de Butxaca, en su momento el mayor productor de óperas nuevas en España.
La ópera ha vivido un cambio en los últimos cuarenta años, sobre todo en Europa. Gracias al trabajo de teatros como La Monnaie, productores como Gerard Mortier y artistas como Sasha Waltz, Romeo Castellucci, Christoph Marthaler o Katie Mitchell, la ópera ha recuperado su vertiente escénica. La ópera es teatro cantado de una cierta manera. Es teatro.
Toda ópera tiene un director musical y un director escénico. El director musical toma las decisiones sobre cómo interpretar la partitura, el director escénico decide la puesta en escena. Lo ideal es que ambos directores trabajen juntos desde el principio orientando el espectáculo con un sentido hacia un objetivo claro. Si el montaje es de una partitura completamente nueva, o de un compositor vivo, es posible que el autor de la partitura incida con fuerza en el trabajo del director musical.
Palau de les Arts Reina Sofia de Valencia.
Dada la complejidad técnica que adquieren algunos montajes de ópera, el director de escena puede buscar ayuda en un dramaturgo (da sentido a la propuesta a partir del libreto dado o de nuevos materiales textuales que se añadan), director de arte (pone orden en la propuesta visual del escenógrafo, figurinista, iluminador, creador audiovisual si lo hubiere), coreógrafo (sea para mover bailarines, el coro, los solistas).
Los ensayos de la ópera se dividen en musicales y escénicos. En los ensayos musicales el director musical pone a punto la orquesta y cantantes, primero por separado y luego juntos. En los ensayos escénicos el director de escena cubre varios aspectos: la interpretación actoral de los solistas cantantes, la presencia y función del resto de artistas sobre la escena (pueden ser cantantes, bailarines, actores…), la adecuación de la propuesta visual… Busca la armonía de todas las capas del lenguaje dramático para que ofrezcan un mensaje claro e impronunciable en otro idioma que no sea el del arte escénico.
Al final de proceso, cerca ya del estreno, se unen los dos caminos (ensayos musicales y escénicos) en ensayos conjuntos con la orquesta, cantantes, coro, actores, bailarines, propuesta plástica, etc… Los ensayos técnicos son fundamentales para acordar y memorizar los “pies” de cada uno, es decir, las señales donde cada artista sabe cuándo y dónde debe hacer las cosas. El equipo técnico del teatro es la mitad del éxito de un espectáculo, siendo su pericia y coordinación la clave del buen funcionamiento de todo el conjunto.
El buen espectáculo de ópera tiene su propia respiración, un ritmo propio e intransferible creado por los artistas sobre el escenario, la orquesta, los técnicos y el público. Es una respiración biológica y compartida. En ella crece la música señalada en la partitura, los movimientos escénicos, la propuesta plástica y resto de capas de significado del espectáculo.
Dos alumnas del coro de dos voces en los ensayos. ‘La Mare dels Peixos’.
Uno de los grandes retos de la ópera actual es combinar las habilidades musicales y actorales del cantante. Ya no basta con aprenderse la partitura y cantar bien. Hay que saber estar en un escenario, entrenar la presencia escénica del cuerpo, moverse en el escenario consciente de que cada gesto que haces construye el significado de tu personaje y afecta a la totalidad. La “construcción del personaje” es un proceso largo y lento, no nace de un día para otro. Exige una base neutra, como lienzo blanco del pintor, en la que cultivar el personaje y trabajarlo para que crezca. Conseguir esa base neutra y limpia es a menudo lo más difícil.
El personaje crece a partir de un deseo que lo mueve hacia delante, dándose forma en función de los deseos de los demás personajes, a partir de la fábula trazada con un sentido dramatúrgico concreto, del flujo propio del proyecto que une al equipo, del batir de la época que nos contiene.
Ensayos con el coro de dos voces de la Escola de Música de la Societat Musical Canet d´en Berenguer y la Escola de Música Hipòlit Martinez del CIM Benimaclet.
La balanza entre tradición (tan importante y a menudo plomiza en el mundo de la ópera) e innovación juega un difícil equilibrio. Los dedos del público y sus estéticas suelen ponerse en el platillo de la tradición. Algunos artistas y productores, como los arriba citados, ponen su peso en el platillo de la innovación. Como dice Carl Dahlhaus en “Dramaturgia de la ópera italiana” (1):
“Renegar la tradición es imposible, como no renegarla.”
Los ensayos de una obra de teatro exigen semanas de trabajo (mínimo seis), a veces meses. Ahí radica otra de las dificultades de la creación de espectáculos de ópera: se ensayan muy pocas horas de trabajo escénico. Crear ópera es caro y la usual insuficiencia económica disminuye la cantidad de ensayos. Daniel Snowman nos recuerda es su libro “La Ópera. Una historia social” (2):
“La ópera rara vez ha conseguido autofinanciarse y si existe algo que se repita tanto como un rondó, es la cuestión de quién paga todo eso.”
Por eso siempre hay una negociación, como fórmula mágica en permanente huída, entre los ensayos musicales y escénicos, entre la disponibilidades horarias de los miembros de la totalidad del equipo. En función de lo que dé esa ecuación todos nos adaptamos para conseguir el mejor espectáculo posible.
Por todo ello, la creación de espectáculos de ópera con niños y jóvenes son formidables proyectos educativos.
Óperas con niños y jóvenes
Me dedico a la educación de arte para niños y jóvenes desde 2008, una labor apasionante a tiempo completo. Invento proyectos educativos, o colaboro con proyectos que ya existen, principalmente de arquitectura o de teatro/ópera.
Célestine Freinet (1896-1966) potenció la expresión de los niños, su autonomía para verbalizar su visión del mundo, dando forma así a tal mundo y siendo parte de él. La escritura y lectura eran el medio para esa verbalización. La imprenta fue la técnica que usó.
Ensayo de sonidos vocales en el CEIP 9 de octubre de Alcàsser con la artista en residencia Noelia Castillo que interpretó el papel de la Bruja en la ópera.
Nuestro objetivo coincide con el del maestro Freinet, potenciar la expresión de la infancia, mas no sólo a través de la escritura, también con los otros lenguajes del arte: teatro, arquitectura, música, fotografía, cine… Las disciplinas del arte son lenguajes que expresan distintos aspectos de la condición humana y del misterio de la vida. La infancia tiene que experimentar los lenguajes del arte para despertar las armonías interiores, percibir el exterior con todas sus facetas, escuchar y hablar con generosidad. Giorgio Agamben dice en “Infancia e historia” (3):
“En el hombre la exposición al lenguaje es una condición imprescindible
para el aprendizaje del lenguaje”
De julio 2011 a abril 2015 viví en Finlandia colaborando como director educativo con la asociación Rakennetaan kaupunki!. Nuestro principal proyecto educativo era crear espectáculos de óperas con alumnos de colegio durante horario escolar. Me introducía en el colegio como “artista en residencia” (4) y solía trabajar con un grupo de unos 25 alumnos y su profesora. Creamos cuatro espectáculos en cuatro cursos escolares en tres ciudades. Los alumnos asumían el máximo de responsabilidades: dramaturgia, interpretación y canto, diseño plástico… En las funciones participaban pocos profesionales instrumentistas: uno, dos, en un caso cinco.
+ La primera ópera fue en el curso 2011-12 con el colegio Kaisaniemi (alumnos de 9-10 años) y el Museo de Arquitectura de Finlandia en Helsinki: ópera “¡Construyamos la ciudad!” de Paul Hindemith.
+ La segunda ópera en 2012-13 con los colegios Marttila y Alakylä (alumnos de 9 a 12 años), y el museo Etelä-Pohjanmaan maakuntamuseon en Seinäjoki: ópera “¡Construyamos la ciudad!” de Paul Hindemith.
+ La tercera ópera en 2013-14 con la escuela Onerva Mäki (alumnos de 11 a 15 años, educación especial – discapacidad visual o auditiva y problemas de aprendizaje) en el Museo Alvar Aalto de Jyväskylä: nueva ópera “¡Construyamos el colegio!” con libreto de los alumnos y partitura de Saana Ahvenjarvi y Tapio Lappalainen.
+ La cuarta ópera en fue en 2014-15 con el Kaisaniemi (alumnos de 11-12 años) y el centro de arte para niños Annantalo de Helsinki: nueva ópera “La Habitación de la Reina” con libreto de Marjo Heiskanen y partitura de Riikka Talvitie.
Desde junio 2015 vivo en Bogotá, Colombia. Ese año colaboré con la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia en la “Formulación de la Escuela de Arte para Niños y Jóvenes”. Consistió en un texto teórico y tres proyectos prácticos. Uno de ellos fue la creación del libreto de ópera “Cuatro historias de amor y muerte”, con cien alumnos de 13 a 15 años y dos profesoras de lengua española del colegio IPARM de la propia universidad bogotana.
El plan era que una vez hecho el libreto, alumnos de composición del Conservatorio de dicha universidad crearían la partitura a cambio de créditos académicos. Luego el colegio ensayaría y estrenaría la obra con la participación de sus alumnos, algunos de sus profesores y apoyo de tres o cuatro instrumentistas estudiantes del Conservatorio. Aunque esta parte del proyecto no se realizó por varios motivos (yo dejé de colaborar con esa universidad, el colegio decidió no ensayarla con sus propios medios), era un proyecto educativo formulado con claridad y gran énfasis en las responsabilidades creativas de los alumnos junto a artistas en residencia y al profesorado escolar.
Los compositores Jorge Sastre y Roger Dannenberg. ‘La Mare dels Peixos’
“Òpera a l´escola” es un proyecto catalán dirigido por David Martínez – La Nave Va. Lo asesoré cuando comenzó. David fue el artista en residencia durante un curso escolar 2015-16 en el colegio Simeó Rabasa de Martorelles, Barcelona. Mediante improvisaciones los alumnos de quinto crearon la historia y David escribió el libreto “El Somiador d´Or” (“El Soñador de Oro”). Al mismo tiempo el compositor Eduardo Diago creó la partitura. El tema de la obra era la capacidad de perseguir nuestro sueños gracias al amor que damos y nos dan. El proyecto contó con el apoyo de la Generalitat de Catalunya. En el curso 2016-17 crean la segunda ópera con el mismo colegio.
Los seis proyectos educativos de creación de ópera que os he explicado usan la misma fórmula: “artista en residencia” que se introduce en el colegio una larga temporada y trabaja con los alumnos y profesorado en la creación de un proyecto artístico donde los alumnos asumen un fuerte papel de autores.
Los artistas enseñan (transmiten) el arte. Siempre ha sido así: el artista enseña al aprendiz. ¿Qué enseña un artista? Técnica artísticas y pasión por el oficio. Hay profesores de colegio que también han entrenado largos años la práctica del arte y por ello enseñan bien dicha experiencia al niño, aunque no es lo más usual. La presencia del “artista en residencia” en el colegio potencia la experiencia de la aventura creativa, la incertidumbre de la búsqueda de conceptos y formas que expresen la voluntad del niño… voluntad que a menudo nace con la propia búsqueda.
El compositor e ingeniero Jorge Sastre con la arpista de la orquesta. ‘La Mare dls Peixos’.
En el mundo existen otros magníficos proyectos educativos, que denominaremos del tipo dos, donde los niños crean óperas en colegios sin la participación de artistas en residencia, sólo con el profesorado escolar. Por ejemplo, el Proyecto LOVA (La ópera vehículo de aprendizaje), coordinado por Pedro Sarmiento, que desarrollan decenas de colegios en el Estado español. LOVA organiza cursos cortos para profesores de colegio donde les enseñan técnicas y procesos para que luego los profesores los usen en sus clases diarias. El primer día de curso la profesora crea una compañía de ópera con sus alumnos: el productor, el dramaturgo, el músico, los cantantes-actores, escenógrafo, figurinista, comunicación… A final de curso se presenta la ópera creada donde los alumnos lo han hecho todo, aunque tengan seis años.
La gran ventaja de proyectos como LOVA es la sostenibilidad económica, al no necesitar profesionales externos y basarse sólo en los que ya está en nómina del colegio. La gran ventaja de proyectos con “artista en residencia” es que los alumnos conviven durante meses con un artista del que aprenden técnicas, procesos artísticos… que de otro modo no disfrutarían, un proceso educativo que siempre tiene que vivirse junto al profesor del colegio.
Hay un tercer tipo de proyectos de creación de óperas con niños y jóvenes donde lo artístico pesa tanto o más que lo educativo. Los niños viven el proceso de creación, concentrándose en la calidad del resultado final, con la participación de profesionales de la música (cantantes, orquesta), artes escénicas (escenógrafos, figurinistas…). El estreno de la ópera suele ser un acontecimiento social con fuerte repercusión mediática.
Hay buenas óperas creadas con esta tercera fórmula. Por ejemplo, las tres de Benjamin Britten: “Noye´s Fludde” (1957), “Let´s make an opera” (1949), “The Little Sweep” (1949). Britten escribió música de gran calidad ajustada a los conocimientos de los intérpretes, sean niños, adultos aficionados o profesionales.
“Noye´s Fludde” (“El Diluvio de Noé”) tiene tres solistas adultos para los papeles de Noé, su mujer y Dios. El resto es cantado por los niños, y tres himnos por la comunidad donde se represente. Los instrumentistas son adultos y niños de habilidad musical variada. El tema del libreto fue escogido porque en aquellas fechas hubo graves inundaciones en Reino Unido, y está basado en el texto “English Miracle Plays, Moralities and Interludes”.
“Let´s make an opera” (“Hagamos una ópera”) es una pieza donde un grupo de niños y adultos hacen un casting y ensayan la ópera “The Little Sweep” (“El pequeño dehollinador”), que se representa a continuación. Ésta trata de un niño que es vendido para trabajar como deshollinador y al que los adultos maltratan.
Britten escribió partituras ajustadas a los intérpretes infantiles para que fueran su puerta de entrada al mundo del teatro y a las convenciones de la ópera. Los temas quieren simpatizar con los intereses infantiles y de la comunidad.
Otra ópera muy conocida para ser interpretada por niños y adultos es “Brundibár” (“El abejorro”) de Hans Krasá. Fue compuesta en 1938 con libretto de Adolf Hoffmeister, y estrenada en un orfanato judío de Praga, el invierno de 1942 (primera versión); y representada 55 veces en el campo de concentración de Terezín, a partir del 23 de septiembre de 1943 (segunda versión). El argumento tiene toques fantásticos, clave cómica y mensaje de hermandad donde la bondad vence al mal. Desgarrador contraste entre la ficción y el contexto real donde se estrenó.
“Der Führer schenkt den Juden eine Stadt” es un documental realizado por los Nazis en el campo de concentración de Terezín para convencer a la comunidad internacional que los judíos vivían bien bajo el poder Nazi. Y convenció a la Cruz Roja. En el film vemos fragmentos de la función número 55 de “Brundibár”. El compositor y casi todos niños que aparecen en el film murieron pocas semanas después en las cámaras de gas.
Hoy día se hacen bastantes puestas en escena de “Brundibár” en todo el mundo. Suelen enmarcarse en proyectos pedagógicos para concienciar a la infancia de las perversiones de la Historia. ¿Haríamos un proyecto educativo con “Brundibár”? No lo sé, seguramente no, el contexto en el que se estrenó la obra es demasiado delicado. Hay versiones actuales que encuentro justificadas, como ésta australiana desde la comunidad judía y no judía local donde viven mujeres supervivientes de Terezin.
Otro ejemplo de ópera con la tercera fórmula es “Mambrú no más la guerra” que se estrenó en Bogotá, Colombia, en noviembre 2015. Fue un proyecto de la Alcaldía de Bogotá, promovido por el barítono Gonzalo Montes en colaboración con el director de escena Roberto Salazar, la Filarmónica de Bogotá, los alumnos de primaria y secundaria del colegio distrital Rafael Bernal Jiménez y varios artistas. El tema de esta ópera es el proceso de paz que vive Colombia tras décadas de guerra.
“Simbad, a journey through living flames” es un proyecto del teatro La Monnaie de Munt en Bruselas. Participaron 258 niños de varios colegios, cantantes solistas y orquesta. El libreto y música es de Howard Moody, dirección musical del propio Moody y dirección de escena de Thierry Thieû Niang. El tema gira sobre la guerra, diversidad de razas, emigración… dado que muchos de los niños participantes llegaron a Bélgica desde muchas partes el mundo. El documental expresa bien la capacidad de la ópera para unir a la comunidad y para hablar de nuestro tiempo.
Una reflexión sobre los temas de las óperas, ¿es lícito involucrar a los alumnos en temáticas sociales y políticas de gran interés para los adultos, escudándose en que es “educación en valores”? ¿Dónde está la frontera entre educación de arte, educación ética y mensaje político? La educación de arte como técnica y pasión por el oficio. La transmisión de los valores sucede por ósmosis con el ejemplo personal, no con los temas tratados.
La Mare dels Peixos, nueva ópera con niños y adultos
El proyecto educativo Soundcool
Vídeo del proceso entre el 23 de noviembre y el estreno el 16 de diciembre de 2016.
Como explica la website de Soundcool, “es un sistema innovador de educación musical y creación colaborativa mediante móviles, tablets, kinect, Open Sound Control (OSC) y MAX/MSP/JITTER creado en la Universitat Politècnica de València y financiado por:
+ La Fundación Daniel y Nina Carasso Proyecto 16-AC-2016 (9/2016-8/2019): centrado en el desarrollo de sistemas interactivos de video arte, nuevas apps OSC, nuevos desarrollos para estudiantes con necesidades especiales, e incremento de la difusión nacional e internacional.
+ La Comisión Europea Proyecto Erasmus + 2015-1-ES01-KA201-016139 (9/2015-7/2017): centrado en la difusión educativa en Europa.
+ La Generalitat Valenciana (España) Proyecto AICO/2105/120 (1/2015-12/2016): con objetivo el desarrollo de la parte de audio del software Soundcool y el inicio de tareas centradas en estudiantes con necesidades especiales.
+ Universitat Politècnica de València Proyecto PAID-05-12-SP20120470 (2013): Este proyecto supuso el nacimiento de Soundcool.”
Es una iniciativa valenciana de gran envergadura y ambición educativa, construida con paciencia y sentido común gracias a su equipo, liderado por el ingeniero y compositor Jorge Sastre. En cinco años de vida ya se han hecho decenas de proyectos con alumnos de centros educativos de Valencia, Cantabria, Baleares, Sicilia, Rumania, Portugal… Los podéis ver en el canal youtube de Soundcool.
La OPER[Acció) Enric Valor
Leemos en la website oficial de “La Mare dels Peixos”: “dentro de las actividades pedagógicas musicales habituales el l’IES Arabista Ribera de Carcaixent planteó la propuesta pedagógica llamada “OPER[Acció) Enric Valor” -recientemente premiada en los premios Baldiri Reixac (2016) de la Fundació Lluís Carulla de Barcelona– para realizar un trabajo de sonorización partiendo de las rondallas valencianas de Enric Valor. Esta propuesta pedagógica fue el detonante que permitió proponer al equipo técnico y artístico de Soundcool una colaboración para convertir la propuesta inicial en la primera ópera basada en una rondalla valenciana.”
Acto I, Ensayo General.
La Fundación Daniel y Nina Carasso les concedió financiación para cinco acciones-reacciones, siendo la primera la ópera “La Mare dels Peixos”. Sumaron las sinergias de los centros de enseñanza públicos: IES Arabista Ribera de Carcaixent y el CEIP 9 d’octubre d’Alcàsser, la Escola de Música de la Societat Musical Canet d´en Berenguer, la Escola de Música Hipòlit Martinez del CIM Benimaclet, junto a la Universitat Politècnica de València (UPV), la Universitat de València (UV) i la Federació de Societats Musicals de la Comunitat Valenciana (FSMCV).
Descubrí “OPER[Acció) Enric Valor” en los artículos (uno y dos) de Rodrigo Juan García en El País en marzo y abril de 2016. Escribí a Adolf Murillo, su director educativo y artísitico, mostrando mi interés por participar en tan singular proyecto. Le gustó mi trabajo con óperas con niños en Finlandia. Acordamos colaborar. Desde septiembre 2016 ajustamos detalles organizativos de la ópera por email. Fui a Valencia un mes antes del estreno en el papel de director de escena: poner orden y significado en lo que acontece en el escenario.
Acto 1, inicio de la función en el estreno absoluto el 16 de diciembre de 2016.
Uno de ellos fue integrar el proceso educativo en un proyecto planteado en orden más artístico. “OPER[Acció) Enric Valor” es un proyecto del tipo tercero, según la clasificación que he hecho más arriba: mezcla sesenta niños, seis cantantes solistas y orquesta de veintiocho músicos. Aunque también hubo “artistas en residencia”, característica del tipo uno de proyectos, pesó poco en la totalidad de la empresa.
Quince adolescentes IES Arabista Ribera de Carcaixent tocaban smartphones con el software Soundcool y quince alumnos de nueve años de CEIP 9 d’octubre d’Alcàsser hacían sonidos vocales, según indicaba la partitura. Antonio Sánchez (música electrónica) y Noelia Castillo (soprano) fueron artistas en residencia que ayudaron a los chavales. Antonio ayudó a los chicos de Carcaixent a crear los sonido de Soundcool, Noelia ayudó a los niños de Alcásser en la interpretación de los sonidos vocales. Otros treinta alumnos de unos nueve años de la Escola de Música de la Societat Musical Canet d´en Berenguer y de la Escola de Música Hipòlit Martinez del CIM Benimaclet eran el coro de dos voces. Todos trabajaron durante semanas en sus respectivos centros educativos con sus profesores. Luego trabajaron con el director musical, Pere Vicent Caselles.
La creación del espectáculo
Enric Valor es uno de los mejores escritores en valenciano del siglo XX. Apoyó la ortografía y gramática fabriana (6), participó en la redacción del “Diccionari català-valencià-balear” dirigido por Francesc de Borja Moll, es autor de novelas, recopiló y literaturizó decenas de rondallas. Escoger una rondalla de Enric Valor para el libreto de la ópera es un gesto cultural en defensa del valenciano, lengua madre de muchos valencianos, y de una cultura propia no siempre defendida.
Acto 3 y final de la obra, ensayo general.
Los libretistas Aurora Clari i Carles Iborra crearon una versión libre de la rondalla original de Enric Valor, ampliando el papel de los personajes femeninos. El libreto, dividido en tres actos, empieza con la pareja Jordina y Jaume de Denia, que no tienen hijos; ella ha tenido un sueño: la Mare dels Peixos le ha dicho que tendrá hijos. Jaume sale a pescar y encuentra a la Mare del Peixos, que le dice que si hace lo que le indica tendrá hijos. Jordina y Jaume cumplen las órdenes y nueve meses después tienen dos hijos.
Han pasado veinte años, inicia el segundo acto. El hijo Jaumet quiere aventuras y se va de viaje. Su hermano Joan se queda en casa cuidando el negocio. Jaumet encuentra el Dragón de Siete Cabezas que está a punto de comerse a la Princesa hija de un Duque. Le corta las siete cabezas, salva a la Princesa y se casa con ella. Tienpo después, Jaumet va a investigar las tierras del Duque y se encuentra con una Bruja que lo petrifica.
El tercer acto inicia con Joan, el hermano de Jaumet, intuyendo la desgracia de su hermano y parte a ayudarlo. Encuentra a la Bruja, lucha con ella, le corta la cabeza y salva a su hermano y a las decenas de personas que la Bruja había petrificado tiempo atrás. Todos los personaje celebran el amor y protección que la La Mare dels Peixos les concede.
Acto 3, Joan (Fernando Piqueras) a punto de matar a la Bruja (Noelia Castillo).
La partitura es de Jorge Sastre y Roger Dannenberg, que trabajaron durante meses vía Skype y email. En palabras del propio Sastre: “La composición de la versión con piano estuvo acabada meses antes del estreno, para que los cantantes pudieran ensayar con tiempo, puesto que es solo con esa versión con la que ensayan, y se ensaya la versión de orquesta sólo los últimos días (estaba planificado el primer ensayo de orquesta justo dos semanas antes, y ahí solo se ensayaron primer y segundo actos, que estaban terminados y también estaba acabado casi todo el tercero completo salvo el final). Los últimos retoques de la orquestación (del final) los acabé 10 días antes”. Parece un poco justo de tiempo, pero a veces es mejor que los proyectos se hagan sea como sea a que no se hagan. Éste es único en el Estado español y merecía el esfuerzo y riesgo.
En la partitura la acción sucede sin apenas pausas, no hay recitativos o diálogos no cantados. Sólo la voz del narrador, siempre con acompañamiento instrumental, articula la secuencia de escenas. La partitura es agradable para el público mayoritario actual, con momentos melódicos espléndidos como el final de la obra, con pasajes sofisticados que evocan varios estilos del siglo XX (Kurt Weill, Jazz, Schoenberg…) y corresponden a personalidades de los personajes. Esta diversidad supuso un reto para los cantantes solistas que salvaron con profesionalidad.
El libreto apunta una dramaturgia literaria más cerca de lo maravilloso (seres fantásticos como la Mare dels Peixos y el Dragón, brujas y princesas…; grandes saltos de tiempo; tipo de relación causa-efecto que hace avanzar la acción) que de lo psicológico. En cambio, la dramaturgia musical es descriptiva, señala las acciones y emociones que los personajes dicen con sus versos, incluso sus acciones no dichas, reforzando el carácter psicológico. Eso provoca una tensión que la dramaturgia escénica resuelve hacia lo maravilloso: los personajes “reales” y mágicos conviven en un mismo plano horizontal (nadie se extraña de que haya un dragón y Madre de los Peces), los personajes configuran los diferentes escenarios que a su vez los contienen (no hay construcción escenográfica) creando imágenes globales que transmiten el significado del drama, los actores-cantantes interpretan con acciones físicas sólo los gestos fundamentales que sus versos describen (no todos los gestos).
Colocamos a los sesenta chavales siempre en el escenario por dos motivos: 1/ su respiración y presencia construyen el tiempo del espectáculo sobre el que se edifica “el tiempo de la batuta” (música, vídeos, luces…), 2/ el esfuerzo y disciplina que ello supone es parte de su experiencia de aprendizaje.
En primer término el compositor Jorge Sastre, en segundo término el director musical Pere Vicent Caselles y la orquesta Collegno, en tercer término los alumnos que tocan el Soundcool.
La masa de chavales homogénea y coral es el mar que se transforma en la Mare dels Peixos, en el Dragón, en camino amenazante, en castillo de la Bruja con sus figuras petrificadas, finalmente son la fuerza que vence a la Bruja. Es la manifestación de la Naturaleza que envuelve a los seis personajes solistas (madre, padre, dos hijos, bruja y princesa), casi como una proyección de sus deseos y miedos. A veces parecen estar al servicio de la Bruja, en otras al servicio de la Princesa. La Naturaleza no es buena ni mala, los humanos la teñimos de significados.
Los seis cantantes solistas se integraron con habilidad en la escena acordes al “personaje principal” que formaron los sesenta chavales. La mezzo-soprano Estíbaliz Ruiz interpretó a la Madre, el barítono Valentín Petrovici al Padre, el barítono Fernando Piqueras al hijo Joan, el tenor guatemalteco Gustavo Alonso Palomo al hijo Jaumet, la soprano María Bazal a la Princesa y Noelia Castillo a la Bruja. Resolvieron sus papeles vocales con empeño y éxito.
El director musical, Pere Vicent Caselles, dotado de talento y paciencia, levantó la obra ensayo tras ensayo, teniendo en cuenta que la orquestación no estuvo acabada hasta dos semanas antes del estreno. Trabajó a la joven orquesta Collegno hasta que sonó homogénea junto a los seis cantantes y sesenta chavales.
Gustavo Alonso Palomo (Juamet) y María Bazal (Princesa) tras matar al Dragón de las Siete Cabezas interpretado por la totalidad de los alumnos.
Stefano Scarani y Julia Chiner realizaron los vídeos con los dibujos animados proyectados en los “interludios” con la voz del narrador, Héctor Navarro. Los vídeos describían gran parte de las acciones física que realizaban los personajes. Con líneas blancas sobre fondo negro, en estilo “medieval” austero, cumplieron con eficacia su función articuladora de escenas. La iluminación de Mingo Albir construyó el espacio dramático homogéneo que dio cabida a los 66 actores en el escenario, donde aconteció el tiempo de la representación con pocos cambios, apoyando inflexiones emocionales (como la muerte del dragón) o grandes saltos de tiempo (como el paso del acto 1 al 3). El vestuario de Leo Herreros potenció la clave fantástica del espectáculo, mezclando códigos estéticos de la tradición rural valenciana con las películas de Walt Disney.
Destacar la colaboración imprescindible del equipo técnico del Palau de les Arts de Valencia, sin cuya profesionalidad y entrega hubiera sido imposible estrenar. Agradecimiento especial a la regidora María Ferrando y al jefe de escenario Juan Alemany.
Reflexiones tras el estreno
“OPER[Acció) Enric Valor” es un proyecto necesario e imprescindible para la educación de arte para niños y jóvenes en España. Marca hitos que no deberían retroceder, sino aumentar:
+ Los alumnos de centros de educación obligatoria asumen responsabilidades artísticas y de todo tipo en un proyecto que se muestra ante la sociedad.
+ Los alumnos trabajan durante semanas con artistas en residencia junto a los profesores del centro. Dichos profesores resuelven objetivos y problemas de enseñanza no habituales, integran la dinámica educativa del centro en el flujo cotidiano de la sociedad.
+ Los alumnos trabajan con partituras de gran calidad musical, herramientas educativas por donde el alumnado sube y crece. Hay pocas partituras de ópera buenas para ser cantadas por niños y jóvenes.
+ Los alumnos se mezclan con profesionales de las artes (creadores, técnicos, producción, comunicación) absorbiendo una experiencia más completa del proceso de creación escénica.
+ La creación de óperas en el idioma madre de los que niños que la interpretan. La ópera tiene que ser cercana a la vivencia cotidiana.
+ La integración del software Soundcool en una partitura de notación tradicional.
La gran dificultad del proceso de ensayos fue la falta de tiempo. Ensayamos poco y no siempre estaban todos los artistas necesarios. Como dije arriba, hacer ópera es caro y el presupuesto permite lo que permite. La voluntad inquebrantable de todo el equipo por sacar adelante este proyecto educativo llevó el barco a buen puerto. En la próxima aventura hay que calibrar mejor la ecuación presupuesto, tiempo, calendario y gente.
Pere Vicent Caselles dirige a la joven orquesta Collegno.
Perseveramos para que se hagan más proyectos de óperas con niños y jóvenes, en especial con colegios y en horario escolar mezclando alumnos, artistas en residencia y profesorado. Pero si se quieren hacer de otro modo, ¡hágale! Hay tantas fórmulas como deseos, tantas aventuras por vivir como escenarios sepamos imaginar.
Esquema de las escenas del libreto, del director de escena Jorge Raedó. En amarillo están las proyecciones audiovisuales, en morado las grabaciones sonoras con la voz del narrador, en verde están los solos, duos y trios de los cantantes solistas. Las líneas quebradas señalan grandes cambios de tiempo dramático o ritmo en la narración.
Jorge Raedó.
Notas
Nota 1: Carl Dahlhaus, “Drammaturgia dell´opera italiana”. EDT, Torino, 1988. ISBN 978-88-7063-816-5
Nota 2: Daniel Snowman, “La Ópera. Una historia social”. Siruela editorial, 2012. ISBN 978-84-9841-580-3
Nota 3: Giorgio Agamben dice en “Infancia e historia”. Adriana Hidalgo Editora. ISBN: 9788492857395
Nota 4: Hay muchos proyectos educativos con “artista en residencia”, en especial en países anglosajones, como los citados en el libro “Magic moments. Collaboration between artists and young people”. El Consejo Nacional de las Artes y Cultura del Gobierno de Chile tiene en marcha el proyecto Acciona, que introduce decenas de artistas en residencia en colegios de todo el país. En el Estado español hay proyectos como “Creadors en residència” del Ayuntamiento de Barcelona, y el más reciente “Levadura” del Ayuntamiento de Madrid y Fundación Banco de Santander.
Finlandia tiene una solucion eficaz y sistémica para potenciar la educación de arte para la infancia y juventud: las escuelas de arte para la infancia y juventud. Están en todo el país, con un currículum nacional propio que las orienta. Es educación no obligatoria, pero en horario escolar sus profesionales del arte y pedagogía colaboran con los colegios.
En Finlandia hay pocos y esporádicos proyectos de artistas en residencia (depende de que un artista haya inventado un proyecto para hacerlo dentro del colegio y buscado la financiación para ello, como hacíamos nosotros con las óperas), pero hay una constante relación de los artistas que enseñan en las escuelas de arte para la infancia y juventud con los alumnos de los centros escolares obligatorios. Elisse Heinimaa explica en el artículo “Desde la escuela de arte a la educación básica de arte” el origen de estas escuelas de arte finlandesas. En otro artículo describo Annantalo, la principal escuela de arte para la infancia del Ayuntamiento de Helsinki.
Nota 5: La tradición de la ópera corregiría unos detalles del programa de mano: primero va el libretista y segundo el compositor, luego se pone el equipo artístico encabezado por el director musical y el director de escena, luego se ponen los cantantes, coro, orquesta y al final el equipo de producción.
Nota 6: Pompeu Fabra (1868-1948) fue el principal protagonista de la normalización del idioma catalán en el siglo XX
Nota 7: Todas las fotos y el primer vídeo son de Jorge Raedó. Excepto la foto donde aparece él y la anterior donde se ven dos niñas cantando, obra Raül Murillo. El segundo vídeo fue realizado por el equipo del proyecto “La Mare dels Peixos”.
Artículo publicado en la Revista Digital FronteraD.
