El Festival IF Barcelona, con dirección de Sara Serrano y co-curaduría con Jordi Alomar, y que se organiza como una bienal dedicada al Teatro de Títeres, Visual y de Objetos, presenta este mes de noviembre de 2023 su edición de encuentros y de reflexión, preparándose para la edición de 2024, que será de exhibición de espectáculos. Lo hace en colaboración con el Institut del Teatre, en cuya sede se realizarán buena parte de sus actividades. Los otros espacios donde el IF está presente con encuentros, talleres y presentaciones son los siguientes:
- Arts Santa Mónica, Barcelona
- Teatre l’Artesà, El Prat de Llobregat
- Centre Cívic El Sortidor , Barcelona
- Museu Internacional del Titella de Catalunya (MIT), Palau-Solità i Plegamans
- La Bayka, L’Hospitalet del Llobregat
- L’Estruch, Fàbrica de Cració, Sabadell
El programa, de una densidad insólita en este tipo de festivales, es el siguiente:
- Lab 1: LA IMAGEN / LA CREATIVIDAD DE LA MIRADA, con Andrea Soto Calderón y Zuriñe Lafón, 2 de noviembre, de 16h a 20h. Institut del Teatre
- Lab 2: EL CUERPO / EL DESEQUILIBRIO DEL SENTIDO, con Federica Porello y Maria Mora Alcolea, 3 de noviembre, de 16h a 20h, Institut del Teatre
- Lab 3: EL OBJETO / LA POTENCIA DE LA INDETERMINACIÓN, con Xavier Bobés y Dora Cantero, 9 de noviembre, de 16h a 20h, Instit del Teatre
- ENCUENTROS, PONENCIAS Y PRÁCTICAS SOBRE LA MIRADA, 10 de noviembre, de 10h a 20h, Institut del Teatre:
- De 10h a 12h: Encuentro PRO: Encuentro de estructuras y proyectos en torno al tejido profesional del teatro visual, de títeres y objetos
- De 12:30 a 13h: Mesa Digital: Tres miradas sobre el teatro visual, de títeres y objetos en la escena europea: con Damiano Privitera (festival Imagini dell’Interno, Italia), Cat Smits, (Hlanda) y Natacha Belova (IF Operator, Bélgica)
- De 16h a 18h: ‘Sobre la imagen’. Ponencias de Marta Oliveres y Óscar Cornago
- 18h: Mesa redonda: Una tríada entre el teatro visual, de títeres y de objetos. Con Joan Baixas, Jordi Palet y Neus Masdeu.
- 19h: Conferencia/Performance: “Colaborativa. Systematurgy Varietées”, de Marcel·lí Antúnez
- PRESENTACIÓN DEL LIBRO TEATRO DE OBJETOS DOCUMENTALES, de Shaday Larios (La Uña Rota, 2023), el 29 de noviembre. Presentado por Marina Garcés. Abre la presentación Sílvia Ferrando, directora del Institut del Teatre
- MESA DIGITAL: AUTONOMÍAS DE LA IMAGEN. PENSAR LAS DRAMATURGIAS VISUALES EN AMÉRICA LATINA. Desde el Arts Santa Mónca. Online. 11 de noviembre, de 8h a 20h. Con Silvia Maldini, Catalina Donoso y Mónica Hoth. Curaduría y moderación a cargo de Shaday Larios.
- SIMPOSIO IF 2023 EN EL TEATRE L’ARTESÀ, EL PRAT DE LLOBREGAT. PEDRO SEPÚLVEDA (COLECTIVO MIL M2) / LA ESCUELA PREGUNTA. 6 de noviembre | De 18 h a 20 h | Teatre L’Artesà (El Prat de Llobregat)
- ANDREA SALUSTRI / MATERIA. Espectáculo. 17 de noviembre | 20 h | Sala Grande, Teatre L’Artesà (El Prat de Llobregat)
- SIMPOSIO IF 2023 EN EL CENTRE CIVIC EL SORTIDOR, BARCELONA
- ¿Y AHORA, QUÉ? RECONSTRUCCIÓN DE LA PERSONA DESPUÉS DE ATRAVESAR LA TEMPESTAD. De Cristián Wiedmann. Presentación del proceso de trabajo. 18 de noviembre | 19 h | Centre Cívic El Sortidor (Barcelona)
- TALLER ‘EL PROCESO DE LIBERAR AL ARTISTA’. Instalaciones audiovisuales / BESLLUM 25 de noviembre | De 10 h a 19 h / Centre Cívic El Sortidor (Barcelona)
- APERTURA DEL TALLER ‘EL PROCESO DE LIBERAR AL ARTISTA’. Instalaciones audiovisuales / BESLLUM. 25 de noviembre | 20 h | Centre Cívic El Sortidor (Barcelona)
- SIMPOSIO IF 2023 EN EL MUSEU INTERNACIONAL DEL TITELLA A CATALUNYA (MIT), PALAU SOLITA I PLEGAMANS. TALLER ‘DEL LAMBE-LAMBE al TITIRISCOPIO’ / ARAWAKE
- SIMPOSIO IF 2023 EN LA BAYKA, L’HOSPITALET DE LLOBREGAT: DRAGÓN CON COLA DE TIBURÓN & MYRMEKODIA / CIA. LA BAYKA. 26 de noviembre |19 h | Espai La Bayka (L’Hospitalet de Llobregat) |
- SIMPOSIO IF 2023 EN L’ESTRUCH, FÀBRICA DE CREACIÓ, SABADELL HOSPITAL DE CAMPO. SOCIETAT DOCTOR ALONSO. Presentación del proyecto en curso. 28 de noviembre | 19h | Sala 10, L’Estruch de Sabadell
DETALLE DEL PROGRAMA
La mirada o el placer de mirar
“Una imagen es un acto y no una cosa.” Jean-Paul Sartre, La imaginación (1978)
A partir del lema “La mirada o el placer de mirar”, la imagen como herramienta narrativa y como potencial dramatúrgico, se convierte en el centro de esta edición de IF Barcelona, con un conjunto de encuentros, actividades y prácticas de pensamiento.
La imagen, que es y genera acción al mismo tiempo, es portadora de emoción y significado. Y su correlato inmediato, la mirada, la recibe y la construye como una herramienta capaz y placentera.
El término dramaturgias de la imagen se instaura como concepto en el libro homónimo de José Antonio Sánchez, uno de los ensayos fundamentales para entender la escena a partir del siglo XX. Este texto plantea un análisis de las formas escénicas contemporáneas desde una perspectiva que proclama la disociación entre dramaturgia y narratividad. Una aproximación en la que el objeto, la escenografía, el espacio sonoro y la música, el cuerpo y el objeto o el títere se convierten en elementos principales en la composición del significado narrativo, más allá de la palabra. La imagen como herramienta dramatúrgica, en un campo escénico donde predomina el no-texto, se convierte en una aproximación precisa en el ámbito del teatro visual, de figuras, títeres y objetos.
SIMPOSIO IF BARCELONA 2023 EN EL INSTITUT DEL TEATRE, BARCELONA
LABS PRÁCTICO/TEÓRICOS
Tres laboratorios prácticos y teóricos, de curaduría compartida, a los que cada ponente se encarga de dar forma y de hacer una intervención en diálogo con una persona invitada. En cada uno de ellos se trabajará una práctica en relación con la propuesta planteada.
LAB 1: LA IMAGEN / LA CREATIVIDAD DE LA MIRADA. Andrea Soto Calderón y Zuriñe Lafón.
2 de noviembre | De 16 h a 20 h | Institut del Teatre (Auditorio y P1.S1)| INSCRIPCIONES
Formato del Laboratorio
Laboratorio curado por Andrea Soto Calderón e impartido en diálogo con Zuriñe Lafón.
No es casual que este primer encuentro arranque en manos de Andrea Soto Calderón. La fuerza de su mirada atraviesa toda la edición de IF Barcelona: la imagen es un eje vertebral del festival. La autora recorre una y otra vez una serie de puntos clave: la potencia de lo indeterminado, de las roturas. En sus propias palabras: “desde los elementos desatendidos, brotar”.
Lazzaro Felice, Alice Rohrwacher, 2018 (Foto IF Barcelona)
Biografía (y una pequeña dosis de su pensamiento)
Ante la sequía de la imaginación, Andrea Soto Calderón (Chile) propone una nueva manera de crear y entender las imágenes. Lejos de querer forjar un pensamiento sobre estas, la filósofa indaga en el pensamiento que posibilitan estos artefactos de potencia. Soto sostiene que quiere pensar entre y a través de las imágenes; ya que, como señala, no nos encontramos delante de ellas, sino entre ellas. Son las imágenes las que nos configuran.
La pensadora se centra en las particularidades de las imágenes, en cómo operan en aquello que las diferencia de otros lenguajes: ¿qué es lo que solo puede pasar en ellas? Andrea Soto realza la capacidad que tienen para diseminar el sentido, y desde esta multiplicidad crear posibilidades de relación infinitas que, el texto quizás no podría contener.
Destaca la autora en el diálogo «¿Qué responsabilidad implica tener ojos?» de la revista 452ºF (núm. 27):
«Extenderse hacia algo, requiere no establecer relaciones conocidas con lo que entramos en contacto. En gran medida, cultivar un vínculo es un ejercicio de desaprendizaje y disposición a vibrar con otro, experimentar su pulso».
Andrea Soto Calderón es doctora en filosofía, escritora y docente de Estética y Teorías del Arte. Su corpus textual está formado en los márgenes entre filosofía, arte y pensamiento.
Más allá de su labor docente, desde 2017 encontramos una continuación de su investigación en relación con los funcionamientos de las imágenes en La Virreina Centre de la Imatge (Barcelona). Esta investigación toca las líneas de la experiencia estética de la cultura contemporánea, el estudio de la imagen y de su técnica, como también la relación entre estética y política.
Entre sus últimas publicaciones destacan La performatividad de les imágenes (2020), El trabajo de las imágenes,con Jaques Rancière (2019), Imaginación material (2022) y Les imatges que resisteixen. La genealogia com a mètode crític (2023).
Zuriñe Lafón es doctora en Comunicación y docente en la Universidad de Navarra. Imparte las asignaturas de Cultura Visual, Diseño periodístico, Comunicación Audiovisual y Medios Digitales.
Estudió el máster de Diseño gráfico y Proyectos Editoriales en la Escuela Superior de Diseño de Barcelona. Por otra parte, ha colaborado con el diario El Correo (Bilbao) y con Nuevos Medios del Museo Thyssen (Madrid). También es la creadora de Atelier, una plataforma de divulgación de contenidos sobre imágenes contemporáneas.
Informaciones prácticas
Duración: 4 horas
Precio: 25€
Promoción: 60€ si te inscribes a los 3 Labs / Gratuito para alumnado de l’Institut del Teatre / Descuento del 15% para miembros de UNIMA, Putxinel·li/Titeresante y ex alumnos/as de l’Institut del Teatre. Curaduría por Andrea Soto Calderón.
LAB 2: EL CUERPO / EL DESEQUILIBRIO DEL SENTIDO. Federica Porello y Maria Mora Alcolea.
3 de noviembre | De 16 h a 20 h | Institut del Teatre (Auditorio y P1.S2) | INSCRIPCIONES
Formato del Laboratorio
Siguiendo el formato de curaduría compartida, la bailarina y coreógrafa Federica Porello invita a Maria Moreno a proponer una inmersión conjunta en el mundo del cuerpo y de la corporeidad. Estarán acompañadas por Majo Villafaina y Xavi Moreno.
¿Cómo hacer visible el contagio inevitable entre las cosas externas y el cuerpo? Esta pregunta es el punto de partida desde el cual las dos artistas plantean un laboratorio en que establecerán puentes dialógicos con el cuerpo como escenario semántico mutante. Juntamente con las personas participantes, pondrán en práctica algunas dinámicas y preguntas que interpelan su trabajo.
Foto IF Barcelona
Biografía (y una breve aproximación a su trabajo)
Allá donde encontremos a Federica Porello habrá implícita una llamada a la percepción sensorial, a la observación y a la imaginación. En sus trabajos la artista transita la tensión entre cuerpo y cosa, y sobre todo, hace sumamente rica la relación entre la manipulación de los objetos y el movimiento.
Entre sus proyectos más recientes podríamos destacar NOWHEN (2022), programado en la anterior edición del festival. Actualmente, tiene entre manos el proyecto VICINI (https://federicaporello.com/vicini/), juntamente con Maria Mora y otros colaboradores (Majo Villafaina y Xavi Moreno). Este espacio de investigación pone en el centro el arte de improvisar. Estos últimos proyectos se enfocan en la necesidad de estar a la escucha del entorno, desde lo que es invisible o inmaterial hasta la materialidad o aquello que se puede tocar. De la misma forma, Porello señala constantemente la interconexión tangible entre las cosas, las acciones y los cuerpos.
Su trabajo está atravesado por la fuerza del mundo de los objetos y, por otra parte, la corporeidad, la potencia del cuerpo. A partir de estos ejes, Porello contribuye a la extensión que estos dos mundos ofrecen, especialmente al entrar en contacto.
Federica Porello combina sus obras con un corpus textual y teórico muy diverso, pasando por palabras de Audre Lorde a Tim Ingold. De este último, la artista cita un fragmento expresamente para el laboratorio:
«El mundo que nos es dado observar es un mundo en movimiento, en un continuo devenir. El observador no mira desde un cuerpo que se sitúa como una totalidad independiente respecto de los flujos de luz, sonidos y texturas del ambiente, sino, al contrario, él mismo es atravesado por estos flujos, en los cuales le es dada la posibilidad de describir y comprender el mundo».
Porello, ante el imperio de la Palabra, lleva a cabo una investigación de un lenguaje nuevo, a partir de la manera de comunicar propia de los cuerpos y los objetos, alejada de la automatización.
Trabajando desde los límites aéreos y porosos entre la danza, la música y el teatro de objetos, Federica Porello (Italia, 1981) vuelve a estar presente un año más entre los nombres que componen el tejido de IF Bailarina. Profesora y creadora interdisciplinar, la encontramos en compañías de teatro como Tg Stan, de títeres AdonK!, de sombras Le Théâtre de Nuit, y de danza, ACME/Albert Quesada. Actualmente, forma parte de las compañías Mal Pelo i ZOO / Thomas Hauert y el colectivo de creación en vivo Group La Bolsa. Porello recibió el Premio Ciudad de Barcelona 2017 y el Premio de la Crítica por la interpretación de Bach, un solo de Maria Muñoz – Mal Pelo de 2004 transmitido a Federica en el 2016. Por otra parte, para ver las múltiples facetas de Porello, hay que remarcar su trabajo con la coreógrafa Marlene Monteiro, así como también con la artista plástica Anne Katherine Dolven.
Para más información: https://federicaporello.com/
Maria Mora Alcolea es certificada de la “Red de Investigación Axis Syllabus” y diplomada en terapia biodinámica craneosacral. Sus líneas de investigación se centran en la anatomía y la biomecánica del movimiento.
En el ámbito de la educación y el intercambio, desarrolla proyectos experimentales sobre la improvisación y la composición. Imparte el taller «Fascia entre el Orden y el Caos» y es parte del Colectivo Free’t. Este colectivo trabaja la composición instantánea a través del lenguaje Soundpainting. Por otra parte, participa en el proyecto VICINI, juntamente con Federico Porello, donde investiga la relación entre estructuras corporales y objetos a partir del concepto de “tensegridad”.
Entre sus trabajos escénicos destaca Quasi Serenor, indagación sobre el micro movimiento y los micro sonidos juntamente con el contrabajista Rafa Esteve i Ascendent, un solo de danza donde se quiere hacer un homenaje a mujeres de los Pirineos de los años 20.
Informaciones prácticas
Duración: 4 horas
Precio: 25€
Promoción: 60€ si te inscribes a los 3 Labs / Gratuito para alumnado de l’Institut del Teatre / Descuento del 15% para miembros de UNIMA, Putxinel·li/Titeresante y ex alumnos/as de l’Institut del Teatre. Curaduría por Federica Porello.
LAB 3: EL OBJETO / LA POTENCIA DE LA INDETERMINACIÓN. Xavier Bobés y Dora Cantero.
9 de noviembre | De 16 h a 20 h | Institut del Teatre (Auditorio y P1.S1) | INSCRIPCIONES
Formato del Laboratorio
El tercer y último Lab está en manos de Xavier Bobés, y mantiene el formato de curaduría compartida: Bobés invita a Dora Cantero en un encuentro enfocado a los objetos y los mundos que iluminan.
La premisa de la escucha que piden los objetos y la revelación de la indeterminación que surge de esta son el motor del diálogo y laboratorio de esta pareja de artistas. El encuentro se divide en tres partes: una primera acción de improvisación con diferentes materiales y objetos, seguida de una conversación sobre el principio de indeterminación. Como conclusión, se realizará una práctica conjunta con el público.
Foto IF Barcelona
Una pequeña constelación de su universo
Lo que une a los dos artistas es el hilo transparente y luminoso que nos liga a los objetos. En sus trabajos vemos como indagan en la profunda carga simbólica de objetos que nos pasan desapercibidos, de todo aquello que, de tan cotidiano o «banal», no nos detenemos a escuchar.
El trabajo de Bobés y todo lo que evoca hace resonar las palabras de Walter Benjamin en Infancia en Berlín hacia el 1900: “La habitación y la cama de aquel anochecer me los grabé a la memoria, como alguien que se fija muy bien en un lugar o una cosa, cuando adivina que un día habrá de volver a buscar algo”.
A diferencia de la insignificancia que se suele atribuir a las cosas pequeñas, a las cosas que aparentemente callan, Bobés se deja interpelar por ellas. En el laboratorio indagarán en esta escucha. Desde aquí, los creadores hacen aflorar un nuevo lenguaje poético construido a partir de los objetos, aquellos objetos profundamente familiares, que los artistas transforman, creando mundos de poesía visual.
Como dice Conejero a partir de la instalación El temps perdut, de Xavier Bobés:
“Algo de nuestras vidas persiste siempre en los objetos que poseímos y que nos poseyeron. Una semilla del pasado palpita todavía para sus adentros, una semilla escondida que necesita el presente para germinar de nuevo. (…) este es el trabajo de Xavier Bobés: volver a la vida aquello que todavía palpita en los objetos, animar con sus manos aquello que aparentemente ya se ha fundido”. O también, “Xavier escucha el eco de los objetos para dotarlos de una nueva vida, ahora escénica. Hay un deje de resurrección en este gesto”.
Biografías
Dora Cantero (Molina de Segura, Murcia) es dramaturga y directora de escena, especializada en Teatro Visual. Sus creaciones teatrales se basan en la fuerza visual y metafórica de los objetos y en toda su potencia simbólica. La poética objetual, la poesía escénica y el diálogo entre la imagen, la palabra, el objeto y la escena son las vías de exploración y desarrollo de su trabajo.
En el 2010 marchó a Japón con la Beca Generación 2010 de Murcia para investigar sobre el arte del Otome Bunraku.
Ha trabajado como dramaturga, directora, actriz y manipuladora de títeres y objetos en múltiples compañías. En el 2021, con el músico Joan Bramon Mora, creó el proyecto «El tiempo de las tortugas» (premio Mejor dramaturgia Fira de Titelles de Lleida 2022), que resalta por su carga poética. La obra se centra en la potencia del lenguaje visual y la metáfora del objeto.
Para más información de la artista y sus proyectos: https://doracantero.com/
Xavier Bobés (Barcelona, 1977) es un creador escénico que se define como autodidacta. Colabora con otros artistas como intérprete y manipulador.
En el 2003 fundó la compañía Playground, dedicada al teatro de objetos, con quien creó una nutrida colección de espectáculos. En 2015, empieza a trabajar con Shaday Larios (presente también en la edición actual de IF Barcelona) y Jomi Oligor, ese mismo año estrena Cosas que se olvidan fácilmente.
En el 2020 presenta Corpus en L’Auditori (Barcelona). Posteriormente, Bobés ha seguido creando mundos a partir de la poética de los objetos, como el espectáculo El mar: visió d’uns nens que no l’han vist mai.
Para más información del artista y sus proyectos: https://www.xavierbobes.com
Informaciones prácticas
Duración: 4 horas
Precio: 25€
Promoción: 60€ si te inscribes a los 3 Labs / Gratuito para alumnado de l’Institut del Teatre / Descuento del 15% para miembros de UNIMA, Putxinel·li/Titeresante y ex alumnos/as de l’Institut del Teatre. Curaduría por Xavi Bobés.
SOBRE LA MIRADA: ENCUENTROS, PONENCIAS Y PRÁCTICAS
10 de noviembre | De 10 h a 20 h |Institut del Teatre (Auditorio y P1.S1) | INSCRIPCIONES
Ponencias, mesas redondas y prácticas, en formato presencial y digital, que posibilitan espacios de encuentro entre estructuras y proyectos del mundo del teatro visual, de títeres y objetos.
10 h – 12 h. Encuentro PRO: Encuentro de estructuras y proyectos en torno al tejido profesional del teatro visual, de títeres y objetos. P1.S1.
PROCREA. Suport a la creació, La Cremallera, Titeresante, MIT, La Puntual, RITTO, Centre de Titelles de Lleida,Casa-Taller de Marionetas de Pepe Otal, proyectos colaboradores IF y otras propuestas que se irán sumando hasta llegar a la fecha de encuentro.
Foto IF Barcelona
Mediación: Neus Masdeu
Precio: gratuito (con inscripción hasta completar aforo)
12:30 h – 13:30 h. Mesa Digital: Tres miradas sobre el teatro visual, de títeres y objetos en la escena europea. Auditorio.
En esta conversación en línea confluyen tres miradas: la de un director de festival de títeres (Damiano Privitera, Imagini dell’Interno, Italia), la de una creadora (Cat Smits, Holanda) y la de una comisaria de teatro gestual y de objetos (Natacha Belova, IF Operator, Bélgica). Los tres encarnan la porosidad del mundo de la programación, la gestión, y la creación, desde su interrelación e hibridación en los procesos de creación, exhibición, y distribución.
Foto IF Barcelona
Precio: gratuito (con inscripción hasta completar aforo)
Se podrá seguir la mesa vía online a través del enlace habilitado en www.ifbarcelona.cat el día de la jornada.
Biografías:
En la trayectoria de Damiano Privitera (Italia, 1955) encontramos una producción teatral visual inmensa e innovadora, absorbiendo y transitando la danza, el uso de las imágenes y el video. Pionero en proyectos para la visibilización del mundo titiritero, mucha de su actividad artística, dentro del teatro de figuras contemporáneo, la encontramos profundamente ligada con el compromiso con su lugar natal, desde talleres hasta la organización de festivales. Por ejemplo, es el director artístico del Festival Immagini dall’Interno, (Pinerolo, Itàlia).
La directora y actriz Cat Smits, dirige la compañía de Teatro Visual Cat Smits Company (Ámsterdam, Holanda). Compañía enfocada en el teatro multiforme y visual, con elementos creativos recurrentes como títeres, el juego físico, el texto, la danza, la técnica de sombras, la música y también el video. Sus espectáculos son una invitación a la imaginación.
Natacha Belova, historiadora de formación, es curadora de IF Operator, una agencia de distribución de compañías de teatro gestual y de objetos de Europa y Latinoamérica, con sede en Bruselas. (http://ifoperator.be/). Con un inicio profesional en el mundo del vestuario en los círculos de artes escénicas de Bélgica, posteriormente se especializó en el arte de los títeres. Actualmente, desarrolla diferentes proyectos relacionados con el teatro, la danza, el circo, el cine y la ópera.
Modera: Marta Oliveres.
16 h – 18 h. Ponencias ‘Sobre la imagen’. Ponentes: Marta Oliveres y Óscar Cornago. Auditorio.
Marta Oliveres: Una mirada antropológica del teatro visual y de objetos contemporáneo entre 1980 y 2000.
Marta Oliveres. Foto IF Barcelona
Marta Oliveres i Tortosa (Barcelona, 1960). Emprendedora de las artes escénicas no convencionales. Impulsora y creadora de MOM- EL VIVERO (1991-2016), un modelo de gestión y divulgación de artistas de diferentes disciplinas y lenguajes. El Vivero ha sido pionero y único en España durante sus 25 años de existencia y editó la revista Artributos, dedicada a la difusión de las artes escénicas.
En enero del 2019 impulsa y crea EL ÁLAMO, un entorno generador de creatividad para trabajar y colaborar en proyectos culturales así como para desarrollar relaciones internacionales.
Óscar Cornago: Teatro de miradas, objetos sagrados e imágenes transparentes
Óscar Cornago (Madrid, 1969), pensador y ensayista especializado en las artes escénicas, estética y teoría cultural. Ha publicado numerosos artículos y libros sobre la teatralidad, el público, la performance o la comunidad. Además colabora en numerosos proyectos artísticos, teatros, museos y festivales.
Óscar Cornago. Foto If Barcelona
Precio: gratuito (con inscripción hasta completar aforo).
18 h. Mesa redonda: Una tríada entre el teatro visual, de títeres y de objetos. Con Joan Baixas, Jordi Palet y Neus Masdeu. Auditorio.
Joan Baixas (Barcelona, 1946) se define como: “disfrutón de la vida”.
Es uno de los grandes nombres que ha formado parte de IF Barcelona desde el inicio. Desde muy joven encontramos en Baixas un interés y una mirada fértil en el mundo de los títeres. Transitando entre las artes escénicas y plásticas, encontramos un conjunto prolífico de propuestas dentro del teatro visual. Para ver su trayectoria más extensamente: https://www.joanbaixas-teatredelbosc.cat/.
“Ara m’adono de la gran sort que he tingut sent titellaire. És una de les millors professions del món. La raó és la llibertat que et dóna, ja que es tracta d’un gènere generalment poc considerat, marginal, i això jo sempre ho he aprofitat. Jo en aquesta professió he descobert el plaer de la bellesa, m’interessa el silenci, l’atenció màxima del públic. la poesia és un antídot al patiment, ho vaig veure a Sarajevo durant la guerra”. (diàleg entre Joan Baixas y Jacques Trudeau: https://www.putxinelli.cat/2012/06/15/joan-baixas-un-vida-de-titellaire)
Joan Baixas, Jordi Palet y Neus Masdeu. Foto IF Barcelona
Neus Masdeu es artista pluridisciplinar. Se mueve habitualmente entre la performance y la instalación activando el material que tiene a su alcance, como los objetos domésticos, o tomando la calle como espacio de juego. A sus proyectos no les faltan nunca ni el humor ni el ingenio. Para ver más: https://neusmasdeu.com/
Jordi Palet es mezclador de imágenes y palabras, licenciado en Bellas artes y graduado en Dramaturgia y dirección. Combina la dirección de escena con la dramaturgia y, de vez en cuando, la narración, la interpretación, el dibujo y el diseño gráfico. El artista recalca en su biografía que, en 2020, inexplicablemente, no cogió el Covid, pero sí la sarna. Y, a pesar de ser muy mal año, también ganó el premio ASSITEJ. Desde el 2012 es profesor de Teatro Visual en el Institut del Teatre.
Precio: gratuito (con inscripción hasta completar aforo)
19 h. Conferencia/Performance: “Colaborativa. Systematurgy Varietées”, de Marcel·lí Antúnez. P1.S1
Para dar clausura a la jornada, Marcel·lí Antúnez (Moià, 1959) llevará a cabo una conferencia performativa, en la que presentará también su exoesqueleto.
Marcel·lí Antúnez. Foto companyia
Reconocido internacionalmente como una de las figuras más relevantes del arte electrónico y la experimentación escénica, su trayectoria abarca un periodo de 30 años, durante los cuales ha desarrollado un universo visual absolutamente personal e iconoclasta basado en una reflexión sobre sistemas de producción artística. Ha realizado instalaciones y performances en museos, galerías, teatros y espacios no convencionales en más de 35 países.
De la acción que llevará a cabo en IF, el artista remarca como, vestido de su “dreskeleton” y acompañado de todo un entorno visual y sonoro interactivo, hará una retrospectiva de su trabajo, desde la Fura dels Baus y Los Rinos pasando por sus recientes “Desfiles Acción”.
Precio: gratuito (con inscripción hasta completar aforo) INSCRIPCIONES
PRESENTACIÓN DEL LIBRO TEATRO DE OBJETOS DOCUMENTALES, de Shaday Larios (La Uña Rota, 2023)
Presentación del libro a cargo de Marina Garcés en diálogo con la autora.
Abre la presentación Sílvia Ferrando, directora de l’Institut del Teatre
29 de noviembre | 16:30 h | Institut del Teatre, Auditorio (Barcelona)| GRATUITA
Foto IF Barcelona
Una presentación del último libro de Shaday Larios en un diálogo entre la autora y la pensadora Marina Garcés, un encuentro que da clausura al Simposio. Lejos de un final cerrado, las autoras apuntarán hacia el mundo abierto, extenso y común: el que compartimos personas y objetos.
El libro y su universo
Teatro de objetos documentales (La Uña Rota, 2023) nos hace transitar por el mundo de los objetos, los que nos acompañan y los que abandonamos, los que están ahí y los que ya no; los que vendrán. La autora se fija en cómo están profundamente atravesados por lo individual y lo colectivo, y en cómo estos problematizan las temporalidades estables, haciendo porosa la frontera entre la vida y la muerte.
Shaday Larios. Foto Anna Bayó
El libro surge de la investigación-creación y la experiencia pedagógica de la autora. Shaday Larios desborda la teoría escénica: combina lecturas propias, que viajan desde la antropología, la filosofía y la literatura y se fusiona con las referencias del cine, las artes visuales y la historia del arte. Todo su bagaje y años de investigación así como, sobre todo, su pasión, hacen de este libro un fascinante ensayo. Sus páginas despliegan todo un universo enfocado en cómo los objetos se convierten en documentos. Sin embargo debemos tener presente lo que Soto defiende en sus libros: hay que hacer migrar las categorías. Esto es lo que precisamente Larios hace con la categoría de «documento». Alejándose de la significación ligada a las políticas públicas que institucionalizan las memorias, Larios se focaliza en cómo los objetos nos sitúan en unas coordenadas temporales y, también, en cómo estos singularizan vidas.
La autora va tejiendo todo un mapa poético y teórico donde plasma también las características del TOD, diferenciándolo del teatro documental y del teatro de objetos.
La autora
Shaday Larios (México, 1978) es ensayista, dramaturga, investigadora y creadora escénica. Por encima de todo, es una entusiasta de los objetos, especialista en aunar y tejer entre memoria, objetos y comunidad. Doctora en artes escénicas por la Universidad Autónoma de Barcelona, es también licenciada en letras españolas por la Universidad de Guanajuato.
La pasión de Larios por los objetos se pone en práctica con su compañía Oligor y Microscopía, con Jomi Oligor. Junto a él, y a Xavier Bobés, fundó El Solar. Agencia de detectives de objetos. Por otra parte, esta pasión se ve plasmada en el libro, donde desde la teoría y la práctica despliega todo su universo, trenzado de manera hipnótica, haciendo entrar al lector en el mundo latente de los objetos.
“Hay un mundo silencioso detrás de las cosas siempre a punto de revelarse. […]. Creo que el teatro de objetos, y otras líneas de trabajo a su alrededor, constituyen un lugar, un observatorio muy potente, para entender e indagar sobre nuestras relaciones con la cultura material”.
La acompaña
Marina Garcés (Barcelona, 1973) es filósofa, activista y docente. Su trabajo discurre en el campo de la política y el pensamiento crítico. Garcés insiste en la necesidad de articular una voz filosófica que busque el compromiso, la acción y la emancipación a partir de la conciencia de nuestra independencia en un mundo compartido. Es una autora realmente prolífica; podríamos destacar, entre otras muchas publicaciones, los libros de ensayo: Filosofía inacabada (Galaxia Gutenberg, 2015), Nova il·lustració radical (Anagrama, 2017), Ciutat Princesa (Galaxia Gutenberg, 2018) o Malas Compañías (Galaxia Gutenberg, 2022).
Por otra parte, a la autora la vemos ligada a numerosos proyectos vinculados con el pensamiento experimental, práctico y colectivo. Garcés defiende la filosofía como una forma de vida, centrándose en cómo la filosofía habita sin interrupción tanto fuera de clase, como, sobre todo, en los espacios íntimos e invisibles. La voz de Marina Garcés acompaña mucho en una actualidad que pesa y, en ese sentido, la autora apunta: “En un tiempo caracterizado por escenarios de no futuro, ¿qué fuerza puede tener una promesa?”
MESA DIGITAL: AUTONOMÍAS DE LA IMAGEN. PENSAR LAS DRAMATURGIAS VISUALES EN AMÉRICA LATINA
11 de noviembre / De 18 h a 20 h / Desde Arts Santa Mònica: ONLINE GRATUITO
Con Silvia Maldini, Catalina Donoso y Mónica Hoth.
Curaduría y moderación a cargo de Shaday Larios.
En esta conversación abordaremos cómo se entiende la idea de dramaturgia de la imagen en el teatro de formas animadas (títeres, objetos, sombras y otras materialidades) en su cruce con el cine, la literatura y las artes visuales interactivas a partir del trabajo de tres investigadoras, docentes y creadoras de Argentina, Chile y México. ¿De qué se emancipan las imágenes y qué emancipan ellas en sí mismas como acontecimientos en territorios situados que enfrentan diferentes tipos de crisis sociales? ¿Cómo son los modos de producción y cómo estos se reflejan en los contenidos y procesos?
Foto IF BarcfelonA
Precio: gratuito online
Participan:
Silvina Maldini (Argentina) es una artista multidisciplinar, docente e investigadora. Sus proyectos artísticos y de investigación se encuentran en la intersección entre las artes visuales y las artes escénicas. Es creadora de instalaciones, performances y video arte para obras teatrales. Interesada en este cruce de lenguajes, hibridez que encontramos en su libro La tecnología de/en la escena de Buenos Aires.(https://www.silviamaldini.com.ar)
Catalina Donoso (Chile) enfoca toda su labor docente e investigadora hacia los estudios de la imagen, los estudios de la infancia, el cine documental y los límites porosos entre cine, teatro y literatura. Es autora de múltiples libros, en los que indaga estas obsesiones de su trabajo (para ver sus publicaciones: https://fcei.uchile.cl/facultad/estructura/cuerpo-academico/catalina-donoso).
Actualmente, se encuentra fondeando los procedimientos documentales del cine, el teatro y la literatura chilenos contemporáneos.
Mónica Hoth (México) es dramaturga, titiritera y gestora cultural. Se inició en el teatro de títeres y de sombras con el grupo Palo de lluvia. Se dedica a la investigación, a la dramaturgia, y también a la dirección y al diseño. Por otro lado, cabe destacar sus intereses dentro de la literatura y la escritura, donde ha recibido numerosos reconocimientos. Igualmente, colabora muy activamente en la realización de festivales de títeres.
Moderadora y curadora:
Shaday Larios (México, 1978) es ensayista, dramaturga, investigadora y creadora escénica. Por encima de todo, es una entusiasta de los objetos, especialista en aunar y tejer entre memoria, objetos y comunidad. Doctora en artes escénicas por la Universidad Autónoma de Barcelona, es también licenciada en letras españolas por la Universidad de Guanajuato.
La pasión de Larios por los objetos se pone en práctica con su compañía Oligor y Microscopía, con Jomi Oligor. Junto a él, y a Xavier Bobés, fundó El Solar. Agencia de detectives de objetos. Por otra parte, esta pasión se ve plasmada en el libro, donde desde la teoría y la práctica despliega todo su universo, trenzado de manera hipnótica, haciendo entrar al lector en el mundo latente de los objetos.
Shaday Larios, en conversación con Marina Garcés, darà clausura al Simposio (más información aquí). Curaduría por Shaday Larios.
SIMPOSIO IF 2023 EN EL TEATRE L’ARTESÀ, EL PRAT DE LLOBREGAT
PEDRO SEPÚLVEDA (COLECTIVO MIL M2) / LA ESCUELA PREGUNTA
16 de noviembre | De 18 h a 20 h | Teatre L’Artesà (El Prat de Llobregat) | GRATUITO
La Escuela Pregunta forma parte del “Proyecto Pregunta”, una búsqueda del colectivo Mil M2 que, a partir de una residencia de investigación, ha ideado toda una serie de dispositivos para introducir y practicar la duda.
Proyecto Pregunta
En un contexto educativo, donde las respuestas son evaluadas constantemente, La Escuela Pregunta invita a repensar la acción de preguntar: proponen practicar la duda, habitar la incertidumbre y visibilizar los interrogantes más allá de los prejuicios adquiridos y heredados.
Proyecto desarrollado desde el 17 de octubre al 16 de noviembre en el Institut Escola Pepa Colomer.Esta apertura de proyecto tiene formato instalativo y está dentro del marco de ‘Indisciplinats’, un festival dedicado a la creación libre, contemporánea y desbordante, en la cual propuestas escénicas, visuales, performativas y comunitárias ocupan el Teatre L’Artesà, La Capsa, los centros cívicos del Prat de Llobregat, la Escola d’Arts Visuals del Prat y el Centre d’Art Torre Muntadas (del 15 al 19 de noviembre).
El colectivo
Mil M2 es un colectivo multidisciplinario con sede en Santiago de Chile. El colectivo reúne seis artistas (Cecilia Moya, Maria-Jose Jana, Maria-Constança Carvajal, Pedro Sepúlveda, Fernando Portal y Diego Cortés) que provienen de diversos ámbitos y formaciones: desde la performance, la arquitectura, el diseño, la escultura, el diseño gráfico y el urbanismo crítico.
Desde 2014, Mil M2 ha desarrollado trabajos en torno a la creación de procesos artísticos que permitan debates cívicos y políticos en el espacio público.
La iniciativa de la Escuela Pregunta ha formado parte de la propuesta educativa del Teatre L’Artesà “Camins Vius”, un proyecto educativo para todas las escuelas públicas del Prat, desde la escuela al bachillerato, desde una mirada holística e integrada, adaptada a cada etapa evolutiva.
“Proyecto Pregunta, es una herramienta sensible que no da respuestas.
Proyecto Pregunta, explora la duda, la pregunta, la interrogante, la incerteza, el cuestionamiento, la interpelación, la curiosidad, el problema, el misterio, la hipótesis, lo desconocido, la idea que se mueve, la suposición, la conjetura, la posibilidad, la presunción, lo supuesto, la figuración, la probabilidad, la teoría, la sospecha, el enigma, la incógnita, la incertidumbre (…)
Proyecto Pregunta no tiene la respuesta.”
Informaciones prácticas:
Entradas: https://www.teatrelartesa.cat/
ANDREA SALUSTRI / MATERIA
17 de noviembre | 20 h | Sala Grande, Teatre L’Artesà (El Prat de Llobregat)| COMPRA ENTRADAS
Materia es un espectáculo que indaga en todas las posibilidades y las capacidades del poliestireno.
El artista establece con el material una relación desde la curiosidad, la escucha y la experimentación profunda. El punto de partida y el motor del proyecto es la fascinación de Salustri por su capacidad de transformación.
MATERIA – Trailer from Andrea Salustri on Vimeo.
La construcción poética desde la materialidad cotidiana es uno de los ejes rectores de esta edición de IF Barcelona. Con Salustri sucede lo que planteaban tanto Andrea Soto como Federica Porello y Xavier Bobés: relacionarnos con las cosas que nos envuelven desde otro lugar. Salustri hace brotar una nueva relación con este material, que desde un primer
momento alejaríamos de algo poético. Él, mostrando la variedad de la materialidad del poliestireno, crea toda una poética visual y sensorial. Un juego entre objetos, manipulación y manipulador.
Según palabras del artista: “Drifting between calmness and darkness, between discovery and destruction (…) The piece tries not to force a narrative but rather let the audience project their own narrative on the images presented on stage”.
Esta propuesta forma parte de Indisciplinats, un festival dedicado a la creación libre, contemporánea y desbordante, en la cual propuestas escénicas, visuales, performativas y comunitárias ocupan el Teatre L’Artesà, La Capsa, los centros cívicos del Prat de Llobregat, la Escola d’Arts Visuals del Prat y el Centre d’Art Torre Muntadas (del 15 al 19 de noviembre).
Los cambios de la materialidad que apasionan a Salustri nos evocan y transportan al mundo de las metamorfosis. Sus proyectos invitan a la escucha de las mutaciones, la atención de aquello que nos rodea. Resuena aquí el poema del escultor Penone (Respirare la sombra, 1978):
Ríos, árboles, manos.
El mundo de la metamorfosis (…)
El mundo de la imaginación
He estado en muchas formas
antes de conseguir una apropiada,
he sido la estrecha hoja,
he sido una gota en el aire,
he sido una estrella brillante,
he sido una palabra (…),
he sido luz (…)
durante un año y medio,
no hay nada en lo que no haya estado.
Biografía
Andrea Salustri (Italia) es intérprete, bailarín y malabarista. Antes de formarse en danza contemporánea se graduó en Filosofía. Actualmente reside en Berlín, y gira con su espectáculo Materia.
En sus piezas, vemos una pasión por las diferentes formas que hay en potencia en cualquier materialidad. Antes de indagar en el poliestireno, vemos en su obra As long as it burns, una exploración del fuego. Desde esta pulsión se acerca a las cosas, mostrándolas siempre en su estado más luminoso, en el cambio.
Ficha técnica
Creación e interpretación escénica: Andrea Salustri
Dirección técnica: Michele Piazzi
Técnicos: Andrea Parolin, Andreas Harder
Diseño de sonido: Federico Coderoni
Producción y difusión: Carolina Ortega – Aurora Nova international theatre booking agency.
Asesoramiento de creación: Kalle Nio, Roman Müller, Darragh McLoughlin, Alex Lempert, Benjamin Richter, Matthias Buhrow, Mariagiulia Serantoni
Coproducción: PERPLX. Con la ayuda de: Circusnext European Platform co-funded by the Creative Europe Programme of the European Union, Chamäleon Productions, Cirqu’Aarau, circus re:searched, Berlin Senate Department for Culture and Europe, TelepART programme of the Finnish institute in Germany
Más información sobre el artista: https://andreasalustri.com/
Tráiler del espectáculo: https://vimeo.com/323835979
Informaciones prácticas:
Duración: 55 minutos
Entradas: https://www.teatrelartesa.cat
SIMPOSIO IF 2023 EN EL CENTRE CIVIC EL SORTIDOR, BARCELONA
¿Y AHORA, QUÉ? RECONSTRUCCIÓN DE LA PERSONA DESPUÉS DE ATRAVESAR LA TEMPESTAD. De Cristián Wiedmann. Presentación del proceso de trabajo
18 de noviembre | 19 h | Centre Cívic El Sortidor (Barcelona) | GRATUITO
¿Y ahora què? Reconstrucción de la persona después de atravesar una tempestad es una instalación escénica alrededor de la salud mental. Weidmann plantea esta pregunta: “¿Qué pasa una vez has cruzado el bosque y te encuentras al otro lado, una vez te dan el visto bueno y te consideras recuperado?”. Una aproximación visual multidisciplinaria, un proyecto artístico fruto de una experiencia vivida.
¿Y ahora qué? Foto compañía
¿Y ahora, què? es un proyecto residente de IF Barcelona durante el bienio 2023-2024. IF Barcelona acompaña procesos de creación en forma de coproducciones y proyectos en residencia que se presentan en el marco del Simposio, con el compromiso de estrenar en la edición siguiente del festival.
Esta presentación forma parte del Ciclo sobre Salud Mental que tiene lugar entre los meses de octubre y diciembre de 2023 en el Centre Cívic El Sortidor.
Biografía
Cristián Weidmann es creador, performer, escenógrafo y titiritero. Desde 1997 ha participado en múltiples proyectos artísticos como director, actor, escenógrafo o diseñador.
Residiendo entre España y Noruega, en los últimos años ha participado en los proyectos de las compañías Ossavy & Kolvenstvedt o Eilertsen & Granados Teater, junto a otras muchas colaboraciones y proyectos con su propia compañía Lamatracataca. Es fundador y principal artífice de un centro de creación rural en la Mancha (España): More a Mora. Junto al desarrollo de estos proyectos, ha fundado una nueva compañía, Ferrer & Weidmann, con la que estrena el espectáculo: NADA (una pieza aérea, de sombras y audiovisuales). Con este proyecto inauguraron la Fira de Titelles de Lleida 2022; se puede ver un tráiler aquí: https://www.youtube.com/watch?v=WC2QcpOraig&ab_channel=Ferrer%26Weidmann
Informaciones prácticas
Precio: gratuito
TALLER ‘EL PROCESO DE LIBERAR AL ARTISTA’. Instalaciones audiovisuales / BESLLUM
25 de noviembre | De 10 h a 19 h / Centre Cívic El Sortidor (Barcelona) | INSCRIPCIONES
El taller impartido por el colectivo Besllum indagará en cómo se genera un relato instalativo. La adaptación de la obra pictórica “La libertad guiando al pueblo” de Delacroix servirá de base para crear el relato, y sobre todo, para ver y explorar su transversalidad mediante disciplinas diversas.
Foto compañía
El objetivo del taller es profundizar en el proceso creativo y analizar y expresar conceptos a partir de diferentes lenguajes como el audiovisual, el teatro de sombras y objetos, la instalación, la electrónica con sensores y arduino, la interactividad y, por último, la automatización de elementos escénicos con Qlab.
Al final del taller se compartirá el resultado de la jornada, abriéndose al público asistente.
El colectivo Besllum
La compañía Besllum nace en Mallorca en el 2011, de manos de Joana M. Pericàs y Pau Caracuel. Besllum se dedica a la investigación y creación de experiencias artísticas, enlazando las artes escénicas, la ciencia y la tecnología.
Transitando el teatro de sombras y de objetos, ha desarrollado técnicas experimentales mediante el uso de dispositivos analógicos y digitales. En esta fusión, su trabajo está impregnado de azar y de expresividad y la fuerza que habita en los objetos manipulados, jugando desde la simplicidad y la actitud minimalista. La palabra “besllum” es la raíz del concepto que da sentido a todas sus creaciones: mostrar el resultado que provoca el paso de la luz a través de un cuerpo tangible. La esencia de su trabajo radica en estudiar la relación entre la luz y la sombra, llevándola al extremo con todo tipo de artefactos a su paso.
Besllum ha colaborado con artistas sonoros y músicos como Kaum, Daquian, Octavi Rumbau y Zyp. También ha actuado en Shaubude Berlín en el marco del festival Theater der Dinge, en el Thesspuppet de Tessalònica (Grecia) y en el Festival de Teresetes de Mallorca. En colaboración con IF Barcelona, actuaron en el Lluèrnia de Olot (Catalunya) y en el festival Incanti de Torino (Italia). En 2015, participó en IF Barcelona, en el marco de la exposición Figures del Desdoblament, que se presentó en Arts Santa Mònica. Por otra parte, ha participado en proyectos expositivos como “Ressò. Música experimental i Art sonor a Mallorca”(Casal Solleric, Palma, 2022).
Informaciones prácticas
Duración: 8 horas
Precio: 60€ (con inscripción, hasta completar aforo) / Gratuito para residentes Centre Cívic El Sortidor / Descuento del 15% para miembros de UNIMA, Putxinel·li/Titeresante y ex alumnos/as de l’Institut del Teatre.
APERTURA DEL TALLER ‘EL PROCESO DE LIBERAR AL ARTISTA’. Instalaciones audiovisuales / BESLLUM
25 de noviembre | 20 h | Centre Cívic El Sortidor (Barcelona) | GRATUITO
En esta apertura se pondrá en común con el público el trabajo desarrollado en el Taller ‘El proceso de liberar al artista’. Un laboratorio audiovisual en el que se trabajará a partir de “La libertad guiando al pueblo” de Delacroix, para generar un relato escénico y profundizar en el proceso creativo.
Foto compañía
La compañía Besllum nace en Mallorca el 2011, fundada por Joana M. Pericàs y Pau Caracuel. Besllum se dedica a la investigación y creación de experiencias artísticas enlazando las artes escénicas, la ciencia y la tecnología.
Transitando el teatro de sombras y de objetos, ha desarrollado técnicas experimentales mediante el uso de dispositivos analógicos y digitales. En esta fusión, su trabajo está impregnado de azar y de expresividad y la fuerza que habita en los objetos manipulados, jugando desde la simplicidad y la actitud minimalista. La palabra “besllum” es la raíz del concepto que da sentido a todas sus creaciones: mostrar el resultado que provoca el paso de la luz a través de un cuerpo tangible. La esencia de su trabajo radica en estudiar la relación entre la luz y la sombra, llevándola al extremo con todo tipo de artefactos a su paso.
Besllum ha colaborado con artistas sonoros y músicos como Kaum, Daquian, Octavi Rumbau y Zyp. También ha actuado en Shaubude Berlín en el marco del festival Theater der Dinge, en el Thesspuppet de Tessalònica (Grecia) y en el Festival de Teresetes de Mallorca. En colaboración con IF Barcelona, actuaron en el Lluèrnia de Olot (Catalunya) y en el festival Incanti de Torino (Italia). En 2015, participó en IF Barcelona, en el marco de la exposición Figures del Desdoblament, que se presentó en Arts Santa Mònica. Por otra parte, ha participado en proyectos expositivos como “Ressò. Música experimental i Art sonor a Mallorca”(Casal Solleric, Palma, 2022).
SIMPOSIO IF 2023 EN EL MUSEU INTERNACIONAL DEL TITELLA A CATALUNYA (MIT), PALAU SOLITA I PLEGAMANS
TALLER ‘DEL LAMBE-LAMBE al TITIRISCOPIO’ / ARAWAKE
18 y 19 de noviembre | De 10 h a 15 h | MIT, Museu Internacional del Titella de Catalunya- Teia Moner (Palau-solità i Plegamans) | INSCRIPCIONES
Los productores del dispositivo escénico Titiriscopio imparten una formación de Lambe Lambe. El taller se plantea para capacitar a los participantes en la creación del teatro de títeres, objetos y formas animadas en miniatura.
Después de compartir el dispositivo escénico, sus creadores posibilitan indagar en aquello que les sirvió como punto de partida: las cajas Lambe Lambe. Estas tienen en común el uso de títeres u objetos en escenarios minúsculos, para contar historias en pocos minutos a un número muy reducido de espectadores.
Foto compañía
Desarrollo de los talleres
Después de una primera puesta en contacto con la materia audiovisual, los talleristas explicaran su experiencia con el Titiriscopio. Darán a conocer así su proceso de creación, dejando ya planteados los pasos para la vivencia del taller. En la parte práctica se desarrollarán ejercicios creativos comunes y, de esta manera, se realizarán piezas en pequeños grupos. Habrá un espacio final para la muestra y la grabación de las piezas.
Universos en miniatura (Lambe Lambe)
Las cajas Lambe Lambe posibilitan un teatro con sus propias normas y técnicas, y a la vez hacen posible un mundo fértil para la investigación y el desarrollo de dispositivos innovadores. Originario del Brasil, el Lambe Lambre surge de la necesidad de intimidad con el espectador. Cada persona puede hacer entrar dentro de esta caja o casa escénica lo que quiera. Es una experiencia escénica y sensorial integral. Como defienden los talleristas, “Juguemos juntos a soñar y construir nuestras cajas y encontremos las herramientas para llenarlas de historias”.
A cargo de:
Arawake es una agrupación multidisciplinaria que destaca desde su inicio por la innovación de sus propuestas, su capacidad para generar formas narrativas y llegar a todo tipo de público. Están interesados sobre todo en la conjunción del lenguaje audiovisual, escénico y poético.
La web del equipo: https://www.arawake.com/
Informaciones prácticas
Duración: 9 hores
Precio: 90€ (con inscripción, hasta completar aforo)
Gratuito para miembros de CIATRE / Descuento del 15% para miembros de UNIMA, Putxinel·li/Titeresante y ex alumnos/as de l’Institut del Teatre.
SIMPOSIO IF 2023 EN LA BAYKA, L’HOSPITALET DE LLOBREGAT
DRAGÓN CON COLA DE TIBURÓN & MYRMEKODIA / CIA. LA BAYKA
26 de noviembre |19 h | Espai La Bayka (L’Hospitalet de Llobregat) |GRATUITO
DRAGÓN CON COLA DE TIBURÓN
«Esta es una historia de una ciudad poderosa y majestuosa construida al lado del mar, famosa por sus artefactos extraños y calles modernas. Un día, apareció una criatura terrible, y la suerte de la gran urbe cambió”.
Foto compañía
Dragón con Cola de Tiburón es un cuento visual, a partir del juego con el teatro de luces y sombras, que forma parte del nuevo espectáculo de la compañía La Bayka
“Myrmekodia es una obra realizada dentro una pequeña caja donde el público tiene la oportunidad de espiar ese micro mundo a través de una lupa, escuchando ruidos y voces onomatopéyicas realizadas en vivo. Este breve espectáculo resume, en pocos minutos y con mucha dosis de ironía y humor negro, la historia de autodestrucción de una civilización de seres antropomórficos».
La compañía
«La Bayka» fue fundada en 2019 por Mauricio Riobó (Cia. Mau Teatro) y Aleksandra Muchin (Cia. Ola Muchin), junto a la colaboración con otros artistas de diferentes ámbitos. La Bayka tiene como base la necesidad de experimentar con diferentes disciplinas escénicas y plásticas, con el objetivo de poder encontrar un discurso estético propio. Los integrantes de la compañía utilizan, entre otras herramientas teatrales, la narración oral, el teatro de objetos, el teatro miniatura, los títeres habitados, de mesa y de hilo, el teatro de sombras, bufón, teatro gestual, etc.
Más información de sus proyectos: https://labayka.art/inicio/compania-la-bayka/
Informaciones prácticas
Público: a partir de 6 años
Reserva de entradas: https://labayka.art
SIMPOSIO IF 2023 EN L’ESTRUCH, FÀBRICA DE CREACIÓ, SABADELL
HOSPITAL DE CAMPO. SOCIETAT DOCTOR ALONSO. Presentación del proyecto en curso.
28 de noviembre | 19h | Sala 10, L’Estruch de Sabadell | GRATUITO
Hospital de campo proviene de la sensación, particular y compartida, de que todos estamos enfermos.
Cuando nos preguntan por la naturaleza de las dolencias que arrastramos, que aparecen tanto en nuestros cuerpos como en nuestras psiquis, se dibuja una especie de rastro común. Este, lo podríamos definir como la característica de abandono de la dimensión subjetiva de nuestra existencia corporal.
Foto compañía
En esta residencia, trabajarán al lado de los ejes dramatúrgicos claves del proceso: la idea de lo doliente, la idea del desdoblamiento, y la relación entre el paciente y el que cura.
Todo esto, con la idea de generar “nuevas performances” para tratar lo que nos duele.
Hospital de campo es un proyecto residente en IF Barcelona durante el bienio 2023-2024. IF Barcelona acompaña procesos de creación en forma de coproducciones y proyectos en residencia que se presentan en el marco del Simposio, con el compromiso de estrenar en la edición siguiente del festival.
Equipo artístico
Dramaturgia: Sofía Asencio, Tomas Aragay
Dirección escénica: Tomas Aragay y Sofia Asencio
Creación e interpretación: Héctor Arnau, Julia Barbany, Beatriz Lobo y Victor Colmenero
Creación del espacio escénico y lumínico: Víctor Colmenero
La compañía
La Societat Doctor Alonso, dirigida por Tomas Aragay (director de teatro y dramaturgo) y Sofia Asencio (bailarina y coreógrafa), ha construido un lenguaje que encuentra una de sus claves fundamentales en el concepto de desplazamiento. Están interesados en cuando algo se sitúa fuera de su lugar, de su ámbito o espacio propio. Desde aquí, indagan en cómo este desplazamiento modifica el lenguaje, tanto por lo que hace a su gramática constitutiva como por la lectura que el observador puede hacer. Esta maniobra de desplazamiento se ha revelado como una herramienta eficaz para generar espacios de discurso poético, que ponen en cuestión el estatus quo de nuestra comprensión de la realidad. Desplazar para desvelar alguna cosa.
La elección del equipo artístico por parte de la compañía se basa en cómo comparten toda una serie de principios clave que dan sentido a la práctica de sus últimos años.
El equipo está formado por personas de las cuales se valora el potencial artístico, que destacan por su personalidad singular y por la relación que establecen con la escena. Por otra parte, se caracterizan por un trabajo fundamentado en la experimentación, la investigación y la heterodoxia. Sobre todo, pero, lo que realmente comparten, es el gusto de trabajar juntos.
Informaciones prácticas
Precio: gratuito (hasta completar aforo)
IF Barcelona, en colaboración con la Fira Mediterrània de Manresa, abre una convocatoria pública de selección de propuestas para formar parte de los proyectos en residencia durante el bienio 2023-2024.
Más información y bases en www.ifbarcelona.cat
